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martes, 2 de diciembre de 2008

Leslie Cheung, el que no quiso seguir viviendo

Todos extrañamos a Leslie, y esa sensación de vacío que se produce luego de ver alguna de sus películas, se trata de subsanar con un escrito breve como este, en un humilde blog, para recordarlo y seguir queriéndolo. Cómo no seguir adorándolo! Era sencillamente delicioso. Mucho se dijo, dice y dirá sobre él en la red por lo tanto no sé cuánto más pueda agregar, simplemente recordar que nació en Hong Kong el 12 de setiembre de 1956 y se mató el 1º de abril de 2003 arrojándose desde el balcón de su suite en el piso 24 del Mandarin Hotel del centro de Hong Kong con una nota en su ropa, en donde declaraba que padecía mal de amores. Su pareja, Tong, declaró que padecía depresión y aunque era tratado por psiquiatras, y que ya había tenido un intento de suicidio en el 2002.



Nacido con el nombre de Fat Cheng Cheung, y apodado Gor Gor (hermano mayor) y con elección de su nombre artistico por admiración al actor Leslie Howard, mostró tempranamente dotes actorales y musicales. Era el menor de diez hermanos, su padre fue el sastre del famoso actor William Holden pero la convivencia familiar se rompió pronto con el temprano divorcio de sus padres y él aseguró en varias ocasiones que esa fue su principal razón por descreer del matrimonio. Luego de haber cursado en la Universidad de Leeds en Gran Bretaña en Comercialización de Textiles, regresó a Hong Kong y en 1976 comenzó incursionando en televisión iniciando su exitosa carrera actoral.



Fue dirigido por los más afamados directores hongkoneses como Wong Kar Wai, Chen Kaige, Tsui Hark y John Woo. Luego de vivir un año en Canadá en 1992 retornó a Hong Kong y en 1997 cuando se celebró la devolución de la colonia a China, inauguró un glamoroso café.


Aparte de su carrera cinematográfica, fue un exitoso cantante pop hasta 1989, de hecho fue el primer cantante en hacer cien conciertos en el Hong Kong Coliseum en 1997. Su balada "Monica" fue coronada como la "Canción del Siglo" en 1999. En China continental fue declarado "La superestrella del cine asiático" en el 2000. En votaciones gana como favorito entre cien años de actores y actuaciones. Fue el primer actor chino en interpretar rol de homosexual sus dos películas sobre este tema lo lanzaron al estrellato: Adiós mi concubina (1992) y Happy Together (1997). Difícil es repasar su carrera cinematográfica, realizó unas 60 películas entre ellas Ashes of Time (1994), The Bride with White Hair (1993), Once a Thief (1991), A better tomorrow (1987), A Chinese Ghost Story (1987).



En cuanto a su sexualidad él declaraba que era bisexual pero su prolongada y pública relación con el actor Tong Hok Tak demostraba claramente su elección. Pero a la hora de verlo actuar poco importaba este tema. Su eximia fotogenia y plasticidad para adecuarse a diversos papeles hicieron de él un actor con marca personal.



Con todo para darnos a los 46 años nos dejó, quítándose la vida, dejando un escenario vacío.
Siempre te recordaremos, Leslie.
Alexandra

lunes, 3 de noviembre de 2008

Jing Wu, rápido y furioso - Parte I

Cada día me sorprendo más viendo cine de China o de Hong Kong. Descubro excelentes directores, actores, coreógrafos, camarógrafos, en fin, artistas del cine. Descubrí a Jing Wu como siempre por casualidad, viendo Sha Po Lang. Me encantó. Tiene un estilo para el wu shu impresionante. Después me enteré que ganó varias veces el título de campeón nacional en Beijing y fue inmediatamente a la pantalla grande cosechando éxitos. Me encantó saber que era de mi signo zodiacal (en eso nos fijamos las mujeres) nacido ariano, no podía defraudarme sus dotes artísticas y marciales. No llega mucho cine hongkonés a mi pais por lo que hay que estar buscando como una tarea arqueológica una película para estar al tanto de lo que se produce anualmente en dicha meca. Cada año son más las producciones que se hacen y muy buenas, por lo que uno ve, la confidencia es subjetiva ya que es parcial, pero al menos un ojo entrenado al ver una coreografía de artes marciales sabe inmediatamente con que está tratando. Y eso me pasó con Jing Wu: su rapidez letal, sus movimientos elegantes pero furiosos, me dejó atrapada y quise ver más de él.
Acá algunas escenas que muestran su destreza
1- Del film "Fatal Move" (2008) con el legendario Sammo Hung




2- Del film "Sha Po Lang" (SPL) (2004) con el fantástico Donnie Yen



3- Del film "Tai Chi Master"



Nos vemos pronto
Alexandra

jueves, 23 de octubre de 2008

Jet Li

Jet tiene carisma. Y con eso se nace. Tal vez no sea lo espléndidamente fotogénico ni sus dotes de actor sean cuantificables como las de un Sir Lawrence Olivier pero cuando sale en pantalla "vende". Sé que ha hecho films muy buenos, otros buenos y otros no tan buenos, pero tiene un sello personal que me parece interesante.
Hay mucho sobre él en la red, no creo que este simple escrito vaya a develarles algo fuera de lo común, pero les ofrezco una simple animación de primeros planos sacados de Kiss of the Dragon (2001)

video

De Jet me gustan varias cosas, su desbloqueo de la "cuarta pared", su carrera, y particularmente su devoción por la ayuda comunitaria y caritativa, la cual se hace visible en la Fundación One... De su producción fílmica me quedo especialmente con tres títulos: Fearless, Tai Chi Master y Shaolin Temple. De distintas épocas por supuesto. Pero con su impronta.

Alexandra

lunes, 13 de octubre de 2008

Hellraiser o el espanto magnificado



Hace mucho tiempo que la ví y recientemente la recordé, y volví a sentir los mismos escalofríos. Si hay una película que me aterrorizó, fue Hellraiser, me refiero a la original de 1987. Pero inauguró una estética nueva del horror, y es de esos films que no se pueden soslayar. Se convirtió en un ícono del espanto en pantalla, y dejó sus huellas en siete secuelas, que no son las que me interesa comentar aquí sino mencionar que algo tan poderoso visualmente, y transgresor, no podía dejar de tener epígonos.







"Hellraiser" es una película británica de terror lanzada al mercado en el año 1987, explora temas tales como el sadomasoquismo, la relación entre el dolor y el placer, y la moralidad de personajes sometidos al temor y a la tentación. Basada en la aclamada novela escrita por Clive Barker llamada "The Hellbound Heart", Barker también dirigió esta película.

"Hellraiser", basada en el cuento corto "The Hellbound Heart" de Clive Barker, empieza con una escena donde un hombre llamado Frank adquiere una extraña caja negra, adornada por filigranas doradas. Luego, en un cuarto vacío, el hombre manipula la caja, que resulta ser un acertijo que, una vez resuelto, permite la entrada de extrañas criaturas a nuestro mundo quienes le ofrecen todos los placeres y todo el dolor de ambos mundos. Finalmente Frank muere despedazado por cadenas, anzuelos y garfios que se clavan en su piel y terminan por desmembrarlo en un espasmo sublime.

Un tiempo después, la familia Cotton se muda a la casa donde tuvo lugar aquel evento. La casa pertenece a Larry (Andrew Robinson), y el hombre que en ella desapareció resulta ser su hermano Frank. Junto con Larry llega su esposa Julia (Clare Higgins) y su hija Kirsty (Ashley Laurence).

Lo que Larry no sabe, es que su esposa Julia tuvo un breve pero intenso romance con Frank, por lo que ella se ha vuelto distante y fría con su legítimo esposo. Durante la mudanza, Larry sufre una herida en la mano, y parte de su sangre cae al piso del cuarto, ahora vacío, donde Frank realizó su extraño ritual. La sangre se filtra bajo las tablas del suelo e inicia la resurrección de Frank. Pero solo es un esqueleto humano con un esbozo de músculos y órganos; la sangre de Larry no fue suficiente para restituir a Frank a una forma totalmente humana, y para lograrlo necesitará más sangre.

Afortunadamente para él, Julia descubre al monstruo, y a pesar de su horror inicial, accede a llevar víctimas para que Frank complete su resurrección. Mientras tanto, Kirsty sospecha que algo raro ocurre en la casa, y cuando descubre la caja negra, sin darse cuenta atrae a las criaturas que se llevaron a su tío.

Para evitar sufrir el mismo destino que Frank, Kirsty debe hacer un trato con ellos y entregar a su propio tío a estas criaturas.


Me parece ver un símbolo recurrente: el objeto que es el portal al otro mundo, sea un lugar celestial o infernal. La clave está en una caja que es un acertijo, y es la que trae a este mundo a los seres infernales. Esto se repite por ejemplo en "Wishmaster", el "portal" de "Stargate", la casa de "Poltergeist", etc. Aunque los guiones sean diferentes lo que las emparenta es la necesidad de un objeto o zona como vehículo de paso de seres de otra dimensión a esta.


Alexandra

martes, 23 de septiembre de 2008

Frank Langella, un actor versátil, de los buenos!




Adoro a "Frankie". Y como siempre, no veo por ahí que se lo destaque mucho, sin embargo posee una formación actoral y una carrera fantástica. Tal vez con estas líneas les refresque la memoria a algunos y traten de revisar lo bueno que es este tipo. Yo me topé con él siguiendo las películas de Mel Brooks (otro ser amado al que algún día le dedicaré unas líneas) y vi esa maravilla que es "Twelve Chairs" donde aparece casi debutando en cine Frankie. Y hace poco dieron en TV "10.5 Apocalypse" y me morí de amor, aunque tenga 68 años está más lindo que nunca! Y por supuesto nunca defrauda en sus roles.

Frank Langella nació el 1º de enero de 1940 en New Jersey, debutando en televisión casi por casualidad en 1970 cautivando a productores y directores por su presencia y versatilidad en los roles que se le proponían. Es una mole de 1,95 mts, con ascendencia italiana, de cabello y ojos negros que le dan una apariencia especial, sobre todo para los personajes que le tocó interpretar, se puede decir que en un primer momento de su carrera lo encasillaron en papeles de personajes siniestros o locos. Los premios no tardarían en llegar, en 1971 ganó el premio NBR Award por "Mejor Coprotagónico" en Diary of a Mad Housewife (1970) y nominado en la misma película por "Actor Revelación" (que es una pena que no lo haya ganado). Nominado en los NBR ese mismo año también como "Mejor Coprotagónico" por "Twelve Chairs " (1970).

En Argentina pocos conocen esta película de Mel Brooks. Tuve la suerte de verla varias veces y me parece una genialidad (bueno Mel Brooks nos tiene acostumbrados) Está basada en un guión original de la década del 20' de dos escritores rusos, pero Mel Brooks la transformó en un disparate delicioso.

En 1980 fue nominado en los Saturn Award por "Mejor Actor" en el film "Drácula" (1979) pero es una lástima que no se lo haya llevado. Pocos miran su actuación como el conde, cuando analizan las cientos de películas que se hicieron sobre el vampiro. Lo adoré en este film. Me parece un Drácula sensacional con los toques típicos de la época. Es un Drácula con los cánones de siempre, un conde vestido con inmensa capa, que se dedica a seducir mujeres y que le teme a la luz solar y no se refleja en los espejos, son clichés pero supo darle una especie de aire de Don Juan a su composición que lo distingue de otros actores que interpretaron al famoso conde. Se vé en él una sutileza sensual en los movimientos que no se lo ví a otro. Como curiosidad se puede decir que fue el único actor junto a Christopher Lee y a Richard Roxburgh en interpretar a Drácula y a Sherlock Holmes (éste fue un film para TV del año 1981).

Drácula es un film riquísimo, su director fue John Badham bajo el guión adaptado de la novela original de W.D. Richter. Un lujo de actores: Lawrence Olivier como Van Helsing, Donald Pleasance como el Dr. Jack Seward. Cómo llegó Frankie a conquistar a los productores para hacer al conde? El venía representándolo en Broadway entre 1977 y 1978, momento en que un productor lo vio y quedó impactado por la forma de interpretar este rol y le propuso llevarlo al cine.

Luego me tocó verlo en "Masters of the Universe" (1987) donde está tras la máscara de Skeletor, por eso mucha gente no sabe que está entre los actores principales. Memorable para esta película de ciencia ficción de bajo costo la batalla final entre él y He Man (interpretado por Dolph Lundgreen). Pero su voy es inconfundible. A pesar de ser una película de bajo presupuesto y que pasó sin pena ni gloria, yo rescato algunas cosas como la puesta en escena del palacio siniestro de Skeletor y la actuación de Frankie por supuesto.





Luego lo ví de casualidad en "1492 Conquest of the Paradise" (1992) interpretando a Luis de Santangel, porque por supuesto da para papeles de latinos, y luego en "The Ninth Gate" (1999) junto a Johnny Depp interpretando al loco Boris Balkan. Luego se me perdió en la estratósfera de Hollywood y me lo reencontré en "10.5 Apocalypse" un film para TV que me encantó porque todo lo que sea cine catástrofe me apasiona. Conserva ese tono y modulación especial de voz que me encanta y deleita a los espectadores, moderado en sus gestos y actitud corporal, puede hacer papeles de diverso calibre con total versatilidad por ello mi homenaje a este grande del cine.



Alexandra

lunes, 4 de agosto de 2008

Billy Drago, un actor con "máscara"


Siempre me llamó la atención y no entendía por que. Muchos no sabrán de la vida de este actor, yo dí con él en una película que no recuerdo ni el nombre, pero lo volví a ver en un capítulo de la serie de la Warner Supernatural y me puse a ver un poco de su vida y carrera.

Luego lo ví en la película de bajo presupuesto "Demon Hunters" donde encarna el rol de un ser demoníaco y me volvió a convencer, Billy Drago tiene algo que muchos no tienen: lo que en teatro se llama "máscara". Con esto se nace, no se hace. Es una expresión única, que se logra naturalmente, sin necesidad de gestualidad o sobreactuación. Tiene una forma de expresión anodina que es extraordinaria, como ha sido encasillado en roles de malo, no le cuesta mucho, puesto que lo logra con facilidad, pero no es el malo furioso o siniestro, es el malo de rostro anodino, que a lo mejor da más miedo que el que intenta hacer muecas horrorosas.

Su nombre real es Billy Eugene Burrows, nació en Kansas en 1949, de padre apache y madre serbia. Al comienzo trabajó como doble y luego en la radio, su debut en cine fue en 1979. Trabajó en una treintena de films y en muchísimas series televisivas, inclusive Michael Jackson lo contrató para su video clip You Rock My World (2005)

De sus películas se lo recuerda por su rol de Frank Nitti en The Untouchables de Brian de Palma (1987), en Demon Hunter en su rol de Asmodeus (2005), en The Hills Have Eyes y en su participación en el capítulo de la serie Supernatural "Time is on my side" de la tercera temporada (2008).


Alexandra

miércoles, 16 de julio de 2008

Horst Buchholz, el James Dean alemán



Estuve pensando en muchos actores, que despertaron admiración en mí, y me vinieron varios nombres a la cabeza, pero me detuve en Horst Buchholz, porque tuvo ese "no se qué" que siempre me atrapó y me gustó en cuanta película pude verlo. Y noté que está un poco olvidado así que lo menciono aquí en este corto relato, dándome cuenta que pasaron cinco años de su muerte.


El fenómeno hollywoodense engulle a toda estrella o astro que surga en Europa o en otro continente, enceguece con sus luces y no nos permite ver a grandes actores, guionistas, dramaturgos o cineastas que hacen una tarea impresionante fuera de los Estados Unidos. Si el artista proviene de Europa, se destaca su carrera solamente cuando conquista Hollywood que si bien es la Meca del Cine, es también el Cementerio de Personas. Muchos consiguieron zafar de las garras de este monstruo y permanecer con una carrera estable sin terminar en una desgracia. Horst Buchholz fue un ejemplo de supervivencia en un país que le era ajeno. Permaneció fiel a su patria, Alemania, fiel a su formación europea, a sus valores y principios. Consiguió la fama en Estados Unidos y por ende en el mundo, pero siguió trabajando para el cine europeo.


Horst Buchholz nació en Berlín en 1933 y ahí murió en 2003, de padre alemán y madre danesa, de origen humilde, desde su juventud tuvo que trabajar para pagar sus estudios en escuelas de teatro. Consiguió una sólida formación, realizó varios filmes en su país por lo cual se ganó un lugar de privilegio en la escena nacional. De un estilo definido y particular, por su forma de ser rebelde y contestataria, lo identificaron inmediatamente con James Dean, y fue conocido como el representante de la rebeldía pero en versión alemana. Debutó en cine en su país en 1949 con pequeños papeles. Entre 1952 y 2002 realizó más de 60 películas de las cuales solo mencionaré tres: En 1955 ganó el premio a mejor actor en el Festival de Cannes por "Himmel ohne Sterne". En 1960 conformó el elenco insuperable de "Los Siete Magníficos", donde compartía escenario junto a Charles Bronson, Steve McQueen y Yul Brynner.

Hollywood ya era suyo. Luego fue nominado al Oscar por su labor cómica en "Uno, Dos, Tres", dirigida por Billy Wilder, y su impronta ya estaba en la mente de todos. De sólida formación teatral Buchholz tenía también una amplia cultura, hablaba con fluidez inglés, francés, italiano, español y ruso, lo que le permitió encarnar roles de diferente magnitud, con total naturalidad.


Vaya pues mi homenaje a este actor alemán.


Alexandra


domingo, 15 de junio de 2008

Tres actores y un personaje: César Romero, Jack Nicholson y Heath Ledger en el rol del Joker - Continuación



Tres actores, tres vidas, tres visiones para un mismo rol. La comparación es inevitable, pero la riqueza del personaje es la que da las pautas. Los villanos del cine siempre son los mejores. No hay nada más maravilloso, puesto que los buenos a veces de tan buenos, son insípidos. Los matices que puede adquirir un villano son tantos que permite análisis desde varios enfoques. Además a todos nos gustan, no nos engañemos. Qué sería de Batman sin sus archienemigos? Un simple psicótico que cree ser un hombre-murciélago haciendo estupideces por las calles de Ciudad Gótica. A veces pienso en su inutilidad sin los malos que le hacen la vida insoportable. Imagínense "Las aventuras de Batman" hechas solo para contar la vida de este tipo que es un tanto esquizoide, no? Batman no tiene sustancia si no se agrega en el componente químico al villano. Me pregunto que habrán pensado cada uno de estos tres actores al momento de construir el personaje. Son tres actores de tres épocas diferentes, con formaciones actorales distintas y objetivos distintos. Además las condiciones que pudieron haber sentido a la hora de componer. Los directores a veces son insoportables. Y las épocas!

Empiezo por una simple descripción de los actores y su vida:
César Romero, de doble nacionalidad, cubana y estadounidense, nació en 1907 y falleció en 1994. Al principio de su carrera, debido no solo a su estampa y gran altura (1,90 mt) fue modelo, luego bailarín de salón (pero de los buenos) y luego actor de extensa trayectoria, es un peso pesado en el género. Realizó más de 130 películas, sin contar con apariciones televisivas. Algunos críticos dicen que su mejor film (por esa manía de elegir uno) fue El Capitán Castilla, de 1947, donde interpreta a Hernán Cortés. Cuando le llega el ofrecimiento del rol del Joker en la exitosísima serie Batman, César Romero ya tenía una gran carrera y prestigio ganados, lo que equivale a decir que convocarlo era un lujo para la época. La serie fue un hit. Nadie puede olvidar a este Batman (si me permiten los fans esta afirmación) insulso y tonto! Era una época donde primaba la ingenuidad y la levedad en los temas tratados en las series de entretenimiento, la psicodelia invadió todo, incluso la pantalla chica. Esta moda se ve claramente en la serie, con encuadres de cámara absurdos (rotación de plano a 45º para dar idea de desorden) saturación de colores primarios (colores netos, absolutos, contrastados muchas veces hasta lo absurdo) e inserción de cuadros de diálogo en escenas de lucha (los famosos "bam", "piff" y otros para denotar la rudeza de los golpes)... pero en cuanto a los villanos, la ingenuidad por encima de todo. Son malos pero no tan malísimos! Esta liviandad obviamente nos va a chocar contra la elaboración actoral de los otros dos "jesters". El Joker del César Romero es, en el fondo, naif. Como todo en la época. De los tres que analizaré, es el único que no tuvo desfiguración del rostro. Su marca registrada era una boca roja, muy roja, pintada con dos picos ascendentes para dar la idea de una risa perenne. Por lo demás, puedo decir que al ver nuevamente los episodios donde apareció, la actuación de Romero es impecable. Realmente el tipo era muy bueno. Sin los trucos y efectos especiales con que contamos hoy, este actor elaboró un personaje memorable. Su voz en falsete, su risa fastidiosa y chirriante, su gesto inmortal de frotarse las manos, quedarán por siempre en el recuerdo.

La pauta principal que daba este Joker eran sus bromas pesadas. Continuamente estaba pensando en matar a Batman pero no nos queda de él el sabor amargo de un villano terrible e implacable sino de un loco que pensaba sus asesinatos con el formato de una broma. Inclusive en la película que se hizo a propósito del éxito de la serie, no tenemos al Joker como lo pensamos hoy, puesto que contamos con otros actores para contrastarlo. El mérito de Romero está en su impecable actuación, locución y lenguaje gestual. Sin CGI, sin tecnología aplicada, nos deja el recuerdo del villano simple, llano, embriagado por una obsesión.

Claro, el problema es que en 1989 le tocó el turno a Jack Nicholson. Y Nicholson es Nicholson.

Nacido en 1937, activo en la actualidad, con una carrera impresionante tanto como actor y director, comenzó su carrera fílmica en 1958, cargando con doce nominaciones al Oscar por mejor actor de los cuales se hizo con tres, y decenas de nominaciones al Globo de Oro de los cuales se hizo con siete. Contra Nicholson no se puede. Pero hay que ser objetivo. A veces me da la sensación que este actor dotado de un rostro perfecto para hacer de villano, de maldito, de ese que detestamos, se le vuelve en contra, porque cuando encarna un rol de buenito, no podemos evitar pensar en el Nicholson del Resplandor, o del Hombre Lobo. Y esto me hace pensar que si Nicholson prima por encima de sus personajes algo me está fallando puesto que la labor principal del actor es dejar de ser siempre él mismo para ser otra persona por un rato y que no lo veamos jamás. No estoy desacreditándolo, puesto que lo admiro mucho, pero si pienso en el Joker y digo "Nicholson" estoy perdida. No obstante, la recreación de este personaje fue mundial. De las constantes que analicé en la primera parte de este escrito, Nicholson es el que más puso acento a la desfiguración del rostro, con aplicaciones de látex y complicado maquillaje.

El énfasis estuvo puesto en esto.
Este es un Joker mucho más denso que el de Romero, por supuesto, un psicótico que por momentos da miedo pero no infunde ese terror que te hace estremecer. No usa falsete en su voz, pero recurre a las constantes marcas del personaje: muestra su carta comodín en una corta escena, la risa burlona y fastidiosa, el recurso a la broma asociada al asesinato. Es un Joker aficionado al arte, algo bohemio, vinculado de alguna forma al arte, pero que no muestra la oscuridad total de su vida. Hay énfasis en el absurdo, lo vemos ingresando al Museo Nacional de Ciudad Gótica rompiendo y manchando todos los cuadros de la colección porque él se erige como el nuevo modelo estético a seguir. Contamina los cosméticos para que a la gente se le arruine el rostro como le pasó a él. Desfigura a su amada con ácido en el rostro para que sea igual a él. La desfiguración de su rostro y parte de su cuerpo parece ser lo que más le afecta. Esto lo lleva a la crisis mental cuando se mira en el espejo luego de la cirugía- Es un Joker que tiene mucho de Tim Burton encima, por momentos bizarro, estrafalario, pero al mismo tiempo sombrío y sutil.

Y el problema llega con el otro actor que tuvo que componerlo, con la pesada carga de sus antecesores: Heath Ledger. Este joven, nacido en Australia en 1979, se suicidó en enero de 2008 dejando una gran pérdida para la pantalla grande, pues era un actor muy bueno, y con
prometedora carrera, que comenzó en Hollywood en 1999 y de la que nos dejó catorce films.

Se hace difícil hacer una comparación ante el hecho de que sus antecesores lograron mostrar facetas actorales a lo largo de décadas puesto que cortó su vida muy tempranamente, aunque podemos inferir su prestancia en escena a través de las películas que dejó. No sabemos si realmente tuvo como modelos a César Romero o a Nicholson, pero lo cierto es que fue dirigido por otro director, Christopher Nolan, y con otro concepto.

Este Joker elaborado por Ledger es el más denso, el más dramático, el que puso el acento en la psicología del personaje. A mi criterio, es el más oscuro de todos, el más temible. Por momentos inspira un terror y repugnancia increíbles. Este Joker muestra permanentemente el comodín, inclusive en la presentación hay planos de luces y sombras basados en esta carta, como preanunciando de quién estamos hablando.

En una escena dice con convicción, mostrando un comodín: "This is my card". Queda clarísimo, no necesitó más. Es mucho más violento, brutal, hundido en las tinieblas de una locura maniática que los otros dos. Incluso en un momento llegamos a creer que casi logra matar a Batman. Esto indica su alto índice de peligrosidad. No está tan preocupado por hacer bromitas sencillas como Romero, o con la cuestión del arte y la estética como Nicholson. Está permanentemente sumido en la oscuridad de su mente. En la memorable escena del ataque final a Batman, en un mano a mano, lo desafía solo, hasta le grita: "Beat me!" mientras lo desmorona con una explosión. Su llegada provoca el espanto entre la gente, sabemos que estamos frente a un loco descontrolado. Hay un detalle que observé en su vestimenta: sus zapatos son más grandes de lo normal y puntiagudos, como queriendo emular al escarpín con cascabeles que lleva el joker de los naipes. Interesante

Ledger utilizó el recurso del falsete constante en su voz. Y llega a una variedad tonal mayor que la de sus antecesores. En la desfiguración de su rostro, mucho más cruel que la de Nicholson, que es estilizada dentro de su monstruosidad, creemos ver la marca del murciélago estampada en su boca, como una crucifixión.

Resumiendo: el Joker de Romero termina en la cárcel, el de Nicholson muerto, y el de Ledger en el Asilo Arkham. Tres destinos diferentes para un rol exquisito, del cual estos tres actores lo han elaborado cada uno según su estilo y convicción.

Alexandra

domingo, 8 de junio de 2008

Tres actores y un personaje: César Romero, Jack Nicholson y Heath Ledger en el rol del Joker

Tres actores tras un personaje. No pude contenerme y cedí a la tentación de ver la interpretación y construcción del personaje en cada uno de ellos. Tengo opiniones encontradas respecto de cada uno, los admiro como actores a los tres pero son tan diferentes... merecerían un capítulo cada uno. Lo que los une aquí fue su construcción de ese fenomenal personaje llamado The Joker. Mejor comienzo por la estructura, la esencia del personaje.

En la ficción, The Joker surgió entre los creativos de DC Comics allá por 1940, como el archienemigo de Batman. Se lo delineó como un ser siniestro, extremadamente peligroso pero al mismo tiempo un genio, una persona de elevada inteligencia, que tras una desgracia se une a las fuerzas del mal bajo una nueva apariencia, tomada del comodín de la baraja de póker: el Joker. Durante décadas este personaje nos fascinó. Se produjeron leves modificaciones en su estructura, pero no deja su esencia: es un psicópata bajo el disfraz de un burlón que hace trucos y bromas pesadas. En la idea original de la década del '40, el Joker tenía su firma personal: tras cada asesinato dejaba el comodín de la baraja sobre el cuerpo occiso. Pero... de dónde les vino la idea de este fastidioso, siniestro y terrible psicópata? De la novela "El hombre que ríe" de Víctor Hugo. Así fueron elaborando los hilos de su historia personal hasta llegar al personaje que vemos hoy. Están los que analizan psicológicamente su comportamiento: dicen que es un psicópata con tendencia al sadismo, con extravagante sentido del humor, que atormenta a inocentes, y mata por placer. Pero es extremadamente inteligente, hecho que se le vuelve en contra, pues sufre una crisis mental haciendo que desee destruir todo lo que lo rodea.

Como rasgo distintivo, tenemos la constante de su risa, su carcajada que resuena en las oquedades, provoca mucho más la angustia y la desazón más que un divertimento. Es la mueca del que ríe siniestramente, del que sabemos que con su fatal humor, nos conducirá irremediablemente a la muerte.

Según Alan Moore, de DC Comics, su historia personal se resume de esta manera: era un ingeniero de una planta de productos químicos, que deseaba ser actor cómico. Renuncia a su trabajo en busca de la fama, pero fracasa y la falta de dinero hace que planee un gran robo ingresando a la planta química con otros dos ladrones, pero es sorprendido, sus secuaces asesinados y él logra huir, con tanta mala suerte que cae en un tanque de sustancias químicas y es arrojado al exterior por un tubo de drenaje. Al salir milagrosamente con vida, descubre que se produjo en su cuerpo una reacción química que le destrozó la piel, especialmente la cara, el cabello, tendones, músculos y otras desgracias. Sufre una crisis mental y se vuelve literalmente loco. A partir de allí asume que es como el Joker del juego de barajas. En esta primera versión de su historia este oscuro ser no tiene nombre. En la versión de Tim Burton lo hace llamar Jack Napier, como una humorada para el actor que en la década del sesenta interpretó a Alfred, que se llamaba Alan Napier. No sabemos por que hizo esto Burton pero es otra más de sus excentricidades.

Hasta aquí, podemos decir que es todo lo que se puede decir de la historia del Joker. Pero qué es un Joker? El rol lo toman del personaje de la baraja de poker, que tiene en total 52 cartas repartidas en cuatro palos, dos de las cuales son comodines que muestran al Joker, estos naipes sustituyen a cualquiera de la baraja. Este juego de naipes arribó a Europa en 1370, posiblemente llevado por los que tuvieron contacto con los mamelucos de Egipto que jugaban un juego de barajas inspirado en uno de los turcos. Grandes figuras europeas mencionan este juego, como por ejemplo Petrarca en 1366 y Bocaccio en 1370, por lo que deducimos que ingresó desde Oriente donde el juego de naipes era corriente. Lo que se reformuló fueron los palos, es decir, las figuraciones en los naipes. Así tenemos que los comodines representan al "court jester". Jester o Joker es esencialmente un tonto que hace bromas tontas. Viste traje estampado en rombos, sombrero con tres picos que terminan en cascabeles (son tres porque simbolizan las dos orejas más la cola del asno). Lleva un cetro con una máscara de sí mismo, y cascabeles en la punta de sus zapatillas. En el Medioevo pensaban de estas personas que habían sido tocadas por un don de Dios para hacer reír pero que esto era a la vez su maldición.

Joker es una de las tantas formas de llamarlo: jongleur, jogleor, joculator, stultor, fou, fol, etc. El tema es que es alguien que tiene facultad para decir bromas, es alguien que puede decir tonterías sin ofender, puede bailar y cantar también. Desde Roma llegó la tradición de "jesters" o bromistas que eran llamados "scurrae", "mimi" o "histriones", pero no eran actores de profesión, cosa que sí sucede en el Medioevo. En esta época, un jester podía surgir de cualquier lado, desde un erudito no conforme con la normativa de una universidad hasta un monje, un juglar con excepcional don de verborragia, o un aprendiz de herrero que podía entretener a la gente con sus bromas ocurrentes. Una descripción de Rabelais ayuda a comprender cómo era un jester del Medioevo: era irreverente, libertino, pícaro, burlón, pero es un tonto, un tonto que critica al mundo. Podía ser juglador, confidente, profeta y consejero, todo al mismo tiempo. En su familia seguramente había todo un linaje de actores, músicos, acróbatas, burlones y locos. Los gobernantes tenían siempre un jester para que los entretenga. Cuando la institución del "court jester" desaparece en Europa (recordemos que no era una función sino una institución) aparecieron focos de resistencia a la misma puesto que durante generaciones, gente con este don había entretenido a monarcas, y reclamaban no quedar sin su trabajo. A duras penas sobrevivieron hasta el 1800 donde hay testimonios de estos profesionales en cortes europeas. Antes de culminar con esta cuestión remarco que la importancia del jester además de entretener era la de ser un crítico de la situación política y social de su época. Esto lo distingue del simple cómico o burlón, o del mismísimo payaso, que solo entretienen a la gente. Inclusive el jester podía llegar a ser confidente del monarca, advirtiéndole sobre posibles conspiraciones o ataques.

No era un renegado o un revolucionario, con sentido del humor le aconsejaba al rey acerca de los asuntos del momento haciendole ver la realidad desde un costado que a simple vista parecía ridículo pero escondía una verdad.

Hasta aquí, se delineó el origen del personaje de ficción y el sentido originario del personaje de la baraja europea de poker. Pero el tema es cómo un actor toma todos estos elementos para componer su personaje. Qué camino recorrió este jester del Medioevo hasta el personaje de MC Marvels? Obviamente lo hicieron tomando los elementos sobresalientes del mismo, pero no su imagen. Es decir: la verborragia, la inteligencia, la facultad de hacer bromas, la risa constante, pero le pusieron el lado siniestro para convertirlo en un villano: siniestro, oscuro, terrible, implacable, calculador, asesino por placer. En los tres actores que lo interpretaron encontramos estas constantes:

- la risa farsante, la carcajada morbosa, la mueca feroz

- trajes de colores chillones

- rostro y cabeza con alguna desfiguración

- asesinato y broma asociados

- utilización del naipe comodín para presentarse a sí mismos

Con las variantes de la construcción del personaje en cada uno de ellos, que desgranaremos a continuación.

domingo, 25 de mayo de 2008

Existe otro universo - Lord Vaako

Todo comenzó cuando ví The Chronicles of Riddick, donde descubrí al actor Karl Urban. Y como sucede siempre, averiguo su origen y su carrera. En este film me impresionó especialmente la estética visual de la escenografía y el vestuario, sin duda. No haré una crítica del argumento y la puesta en escena, solamente me detendré a observar a Urban en este rol.

Investigando un poco sobre su origen: Nació en Wellington, Nueva Zelanda, el 7 de junio de 1972, y su nombre completo es Karl Heinz Urban, hijo de alemanes, idioma que conserva hasta la actualidad cosa que me encanta pues no se olvida de sus raíces. Además se lo ve frecuentemente con una remera que dice "I Love New Zeland", y no sé por que razón pero sus seguidores valoran mucho ese apego por su tierra natal, hasta el punto que lo bautizaron "kiwi" (fruta que nace en dichas tierras). Su carrera actoral comenzó en Nueva Zelanda con cortos para televisión y filmes, a partir de 1992.

Pero en 1997 estaba aterrizando en la tierra de los sueños, Hollywood, quien lentamente le abriría las puertas para consagrarlo con su actuación en el rol de Eomer en The Lords of the Rings The Return of the King, donde ganó tres premios en 2003 (compartidos con el elenco). Pero ha impresionado y se ha hecho mundialmente conocido en su rol de Lord Vaako en The Chronicles of Riddick (2004) y en Doom (2005). En este espacio, le dedicaré un poco de atención a este personaje, Vaako. La propuesta del film es sencilla: mostrar que existe un lugar llamado "Underverse" (algo así como un gemelo del universo pero donde se producen alteraciones astrales a todo aquel que ingresa en él) que está liderado por un tirano que se hace llamar Lord Marshall, quien fue el único que logró llegar a este lugar y regresar al universo con poderes extraordinarios como por ejemplo quitarle el alma a una persona, nada más ni nada menos. Este tirano reside en un planeta llamado curiosamente Furia, donde los reclutados son transformados en guerreros irascibles llamados Furianos, y dentro de su sociedad, existe una gran jerarquización: luego de él le sigue su comandante, en este caso Lord Vaako, sus primeros oficiales, el cuerpo de élite conformado por oficiales y sus esposas, ministros y personajes al que llaman "Purificadores", es quien convence a las masas de convertirse en furianos puesto que ese mundo es mucho mejor que el normal, donde existe multiplicidad de razas, credos, lenguas. Puesto que en Furia todo es muerte. Los seres que viven allí son personas muertas, que ya no tienen la chispa divina que posee el ser humano. Inclusive podemos apreciar en el vestuario la alusión recurrente a la piel de serpiente lo cual indica una trasmutación pues este es un animal que universalmente fue asociado con este animal.

La estética visual denota a la perfección este mundo de seres astrales, trastrocados, donde todo es gris, donde la vida parece no ser vida, reunidos principalmente en el centro de operaciones de Lord Marshall curiosamente llamado "The Basilica". Su escenografía es impresionante, hay imágenes de hombres desnudos retorciéndose o sufriendo, tal vez la muestra de la trasmutación que ahí se opera. Las multiplicaciones de las imágenes de Lord Marshall indica su soberbia y en su traje, su casco con tres rostros, uno mira hacia el frente y otros dos a los costados, puede indicar la omnipresencia del mismo. Su comandante, Lord Vaako, es un fiel seguidor pero su esposa, Lady Vaako, es una ambiciosa que lo instiga permanentemente a hacer mérito para luego tramar un complot contra Lord Marshall, asesinarlo y tomar el liderazgo de los furianos. En este sentido podríamos decir que Vaako es un ser manipulado por la belleza y astucia de su esposa.

A Vaako méritos no le faltan por ello ocupa el lugar de la comandancia, lleva una armadura especial que hace mérito a su rango. En este punto destaco la gran producción de vestuario. No hay en este caso tanta reminiscencia al antiguo mundo romano, hay una reformulación de los cascos y las armaduras.

Vaako luce una armadura sensacional, destaco en la espalda la sucesión de escamas que recorren su espina dorsal recordando nuevamente a la serpiente. Su casco es especialmente bello, en la frente hay una especie de ser demoníaco con las fauces abiertas.
Su traje corriente por así decirlo, con estampado que recuerda las escamas de serpiente.

Sus armas son de temer y solo las puede llevar él, un hacha con varias hojas, y una especie de cuchillo boomerang (más allá de las armas de fuego).

Hay un hecho anecdótico y es que Urban tuvo que adelgazar para el rol, cuestiones de estética visual por el vestuario y la caracterización. El peinado es sugerente: rapados los costados, en la parte posterior lleva trenzas terminadas en canutillos, no sé si aluden a su rango de comandante.

Hay tibias alusiones al mundo antiguo cuando vemos que en Furia, en la Basilica, hay un lugar donde residen cuatro personajes curiosos, que recuerdan a las Pitonisas, pues leen la mente de aquel al que le presentan. Otra similitud se puede encontrar en las formaciones de guerra y en los escalafones.

Pero no hay posibilidad de opinión puesto que Lord Marshall instaura una tiranía donde no permite la existencia por supuesto de un senado ni nadie que pueda cuestionarlo. Estos seres no tienen salida. Una vez que son convertidos, ya no hay más vida para ellos que una eterna paleta de colores donde solo existen matices del gris y sin otra ambición más que ingresar a este mundo que otorga super poderes.



Urban elaboró muy bien su personaje, a pesar de que estamos hablando de una película que no merece un crédito extraordinario. Se lo nota permanentemente preocupado por su posición en la alta comandancia, por las intrigas que le infunde su esposa, y por superarse permanentemente a sí mismo con un dejo de gran frustración, marcada al final especialmente cuando con Riddick enfrentan a Lord Marshall para matarlo y no lo logra.

En fin, una muestra de la ductilidad actoral de Urban que por suerte es gran amigo del argentino
nacionalizado norteamericano Vigo Mortenssen.

Alexandra

sábado, 17 de mayo de 2008

LA FASCINACION POR LOS MALOS - 1


Cientos de películas, cientos de villanos. Y la fascinación por los malos. De donde viene? Acaso necesitamos de ese malo muy malo para satisfacer ciertas partes oscuras de nosotros mismos? No se trata aquí de la lucha entre el bien y el mal, como una especie de dualismo antiguo, sino en tratar de discernir por que son malos. Claro que malos hay de muchos tipos: los que son malos en esencia, los que tienen la parte maligna más desarrollada que la benigna, los que eligen el mal por diversas razones pero que no son malos en esencia, los que no tienen otra opción que ser malos, los buenos que encubren su maldad. Puede ser una visión simplista, pero al menos en lenguaje cinematográfico estas fórmulas han aceitado la máquina hollywoodense durante décadas. En los comics esto se ve perfectamente. Más allá de la lucha eterna entre buenos y malos, están los patológicamente malos. Dirán que es obvio que todo héroe necesita una contracara, pero podría argumentar que el mismo héroe es su contracara. En muchas circunstancias de mi vida he notado que las personas se inclinan con fascinación por el personaje malo, cruel, terrible. Y si hay dos o más, votan por uno, con diferentes argumentos.

Caso Predator y Alien: es costumbre de Hollywoood realizar un guión, llevarlo a la pantalla y si tiene éxito hacer la secuela. Pero peor costumbre es enfrentar en un film a dos villanos. Esto pasó con varios, pero en este caso, aunque no esté de acuerdo con hacer semejantes guiones, me sirve para mostrar a estos malos de película, y nunca mejor aplicada esa palabra, para ver cuán malo es uno y otro o si realmente alguno de ellos es malo.

Ya en la historia original nos queda bien claro que cosa son los de la raza de Predator. Es un alienígena con una cultura superior a la nuestra. Vienen a la Tierra periódicamente para inspeccionar cómo reaccionan los humanos frente a la violencia o si ésta sigue vigente en las culturas humanas. Porque la detestan. Porque no entienden el razonamiento humano. Porque no logran captar que es lo que hace que los humanos se maten entre sí. Y se transforman en cazadores de humanos malos. Hay una especie de búsqueda de respuesta en la forma craneal, de hecho en su nave llevan una especie de vitrina al estilo museo galáctico donde exhiben los cráneos de seres de otros planetas que están allí estaqueados seguramente porque obraron mal. Pero en el caso del hombre lo que acucia a Predator es entender como funciona su cerebro, que hay dentro del cráneo. De ahí la pregunta existencial clave en la primera película, cuando el héroe al verlo sin la máscara, con el rostro revulsivo le pregunta: "Quién eres?" y Predator le responde con la misma pregunta.

Eso no los exime de ser una máquina perfecta de matar. Pero luego de ver la original y las dos secuelas, nos damos cuenta que esta raza de alienígenas advierte que el hombre no tiene cura: es un ser violento que vive violentamente y que destruye su planeta y a sus congéneres. Predator además de tener una gran cultura y cimentada civilización, que incluye conocimientos muy amplios, sin mencionar sistema de escritura, no es un ser que precisamente "depreda" todo planeta para sobrevivir puesto que ya tienen el suyo con su propia cultura, lo que depreda es al ser humano que se comporta mal. No es un parásito que va de planeta en planeta consumiendo recursos naturales para sobrevivir exterminando a los entes que viven en él y abandonandolo una vez que lo agota, es una especie de "observador": allá donde detecta violencia, va para aniquilar a los violentos y dejar una enseñanza. En ningún momento, al menos a mí, me despertó terror o miedo. Me mueve a pensar la condición humana. El hombre es el peor depredador de esta galaxia. En la segunda película la escena de los jamaiquinos masacrados es reveladora. Predator entiende perfectamente que es lo que está pasando. Y lo resuelve con su propia lógica (estemos o no de acuerdo): la única vía para esta gente es matarlos. En la versión del enfrentamiento con Alien vemos que en una época lejana, los de su raza tuvieron que construir una especie de cárcel en el polo para los malditos alien que venían a la Tierra para inseminar a los humanos y propagar su progenie no se salieran de ella y causaran estragos.

Alien es otro tipo de ser galáctico, un ser asqueroso, repugnante, revulsivo, en parte insecto, cuyo único fin es exterminar todo lo que tiene a su paso y tomar todo ente viviente para inseminarlo y continuar con su progenie. Este ser genera repulsión, es como un maldito al que todos queremos aniquilar. Despierta el deseo de pulverizarlo a como sea. Y logra su fin psicológico: aterroriza, espanta, genera pavura. Es una especie de maldición que cargan los que se topan con él. El único que puede detenerlo es precisamente Predator. De ahí el éxito de la película que los enfrenta. Alien difiere muchísimo de Predator, podríamos decir que Alien representa lo salvaje absoluto, la absoluta "otredad" detestable, Predator simboliza la cultura, lo civilizado, lo que está dentro de un marco de orden preestablecido (estemos o no de acuerdo con ese orden). Sin Predator, Alien y su progenie hubiera consumido a todos los habitantes de la Tierra. Por que la gente votó siempre a favor de que gane Predator en esta batalla? Porque los de su raza tienen código.

En el enfrentamiento, vemos claramente la diferencia. Matar por matar, o matar por una razón. Y en el final de la película del enfrentamiento, para darnos esa rabia terrible segundos antes de que termine, vemos la escena donde la semilla de un alien se aloja en el cuerpo del Predator muerto en la batalla en el Polo... pero yo me quedé tranquila: estando este alien ahora como parásito en la nave de los predadores, no le va a quedar mucho de vida, porque éstos tienen recursos como para aniquilarlos y que no se propaguen nuevamente por la galaxia.

Me preguntarán si admiro a uno? Y si, soy público que consume después de todo. Voto por Predator.

Alexandra

jueves, 24 de abril de 2008

Matrix vs. Equilibrium vs. Farenheit 451 - Parte 2







Diferente escenario, igual situación.


Alexandra

lunes, 21 de abril de 2008

BRANDON LEE - Creaciones supremas en maquillaje



Hablar de Brandon me cuesta por el dolor que me sigue causando su muerte. Hijo de Bruce Lee, criado en la disciplina del Jet Kune Do, y de toda la sabiduría emanada de su padre, soportó con habilidad el peso de su apellido para abrirse camino en Hollywood. Nacido el 1º de febrero de 1965, su carrera fue prometedora desde el comienzo. Talentoso, carismático, histriónico y a la vez dramático, fue una figura prometedora que amenazaba con eclipsar a todos los galanes de su época. Su vida se apagó el 31 de marzo de 1993 durante el rodaje de las escenas finales de El Cuervo (The Crow) , estrenada en 1994, con guión basado en el cómic homónimo de James O'Barr. Vaya pues este escrito como homenaje a quince años de su muerte.
La trágica muerte del joven actor se produjo durante la escena de una balacera en un galpón.
Este fatal accidente ocurrió cuando se disparó un revólver Magnum del calibre 44, que por imprudencia de uno de los encargados del set, tenía una bala vieja en el tambor metálico. La tragedia se produjo en la escena en la que Eric Draven era tiroteado masivamente por una banda armada. La bala se había alojado en el arma cuando fue utilizada en una escena anterior, en la cual un casquillo de percusión fue disparado y empujó la bala suelta de su hueco. El disparo alcanzó a Brandon Lee en el abdomen y le produjo la muerte horas después en un hospital de Carolina del Norte.

La parte en la que Brandon Lee era herido de muerte por la bala fue destruida, debido a un acuerdo legal, y el disparo que soltó la bala que lo mató no fue usado en la película, aunque algunas leyendas urbanas afirman que así fue. El disparo se produjo mientras se filmaba una escena que aparece casi al comienzo de la película, cuando al personaje de Lee (Eric Draven) le dispara el personaje de Michael Massee, Funboy.

El accidente se produjo a 8 días de terminar la filmación y fue completado mediante uso de un doble y efectos digitales. Entre todas las desgracias se cuenta también el hecho de que falleció 17 días antes de su boda, en este trágico accidente de rodaje.

El disparo fue considerado como un accidente, aunque algunas personas afirman que pudo ser un posible "juego sucio" o ajuste de cuentas, como se dice que le ocurrió a su padre, Bruce Lee.

Brandon fue enterrado junto a su padre en el cementerio Lake View de Capitol Hill, Seattle

El tema del maquillaje: la historia trata de un joven rockero llamado Eric Draven, un alma dulce y pura, amante de las buenas costumbres y el apego a la vida. El mensaje que comporta es el de una persona fiel a su amada y a sus convicciones, que ve cercenada su vida cuando por defender a su novia de unos violadores, lo matan. Regresa de la muerte para vengarse adoptando la esencia del cuervo. A partir de esta iconografía se diseñó un maquillaje simple pero efectivo: una base blanca, con delineado negro en los ojos y las comisuras labiales. No se necesitó más. El efecto buscado no era producir terror o repugnancia sino la reproducción en un rostro humano de ciertos rasgos de un cuervo. No se trata de un desquiciado, de un paranoico, de un aterrorizante ser del más allá. Es simplemente un ser que busca venganza, justicia y orden. La violencia la desata contra aquellos que le quitaron la vida a su amada y a él. Hay ciertos momentos de locura en el personaje, pero se debe a la desesperación de saberse muerto y sin posibilidades de remontar el destino fatal que le ha tocado. Por momentos su maquillaje se diluye por los efectos de una lluvia ocasional, este recurso potenció la riqueza expresiva. Inclusive se lo ve sentado frente a un dressoir, maquillándose para salir a buscar a los asesinos. Es un ser que busca una identidad a partir de la elección de un maquillaje que exprese la esencia de un ser con ciertas características con las que siente afinidad, por ello elije a un cuervo.

Este personaje a pesar del maquillaje y sus expresiones furiosas, despierta ternura y tristeza. Sobre todo en la escena final cuando desplomado sobre su propia tumba una vez cumplimentada su venganza, entiende que se va definitivamente de este mundo y su alma descansará en paz. Es una escena realmente conmovedora. El efecto logrado por el maquillaje se unió al de la gran expresividad de Brandon.
Descansa en paz, Brandon, nunca te olvidaremos.

Alexandra

sábado, 19 de abril de 2008

Darth Maul - Estética del mal


Vuelvo sobre el tema. He visto que el personaje despertó en la audiencia dos tendencias muy diferentes de empatía: por un lado los niños están fascinados por completo con este ser infernal, y por otro las mujeres, siempre propensas a sentirnos atraídas por la sensualidad de la malignidad. Y es que es un personaje sumamente rico, mucho más de lo que se cree. En el caso de los niños, el mensaje icónico de Maul fue subvertido: en vez de detestarlo por ser un ser maligno y falto de sentimientos, la contracara de los buenos jedi, le adjudicaron un sentimiento de ser justo, valiente, poderoso, y no necesariamente demoniaco. Las mujeres caen ante la seducción de imaginar un cuerpo completamente tatuado en rojo y negro, fantaseando con las líneas dibujadas en su cuerpo, en el erotismo del movimiento ondulante de su ropa negra, mezcla de estilos orientales y occidentales, casi llevándolo al fetichismo. Lo convirtieron en fetiche. Desde las botas que usa, hasta el amplio hakama que viste en las primeras escenas, pasando por la amplia capa que lo cubre permanentemente, las mujeres se erotizan internándose en cada pliegue de sus vestidos. Y no soy la excepción. Acaso un ser maligno no es más atractivo que uno buenito, dulce y casi patético? Repasemos un poco este tema con mirada femenina: cuando se estrenó la mítica Star Wars allá por 1978, cuántas seguidoras tuvo Luke Skywalker contra Darth Vader? Recuerdo que todas las miradas se posaban sobre la magnífica presencia de Vader, oscuro, poderoso, fuerte, inexpugnable, cubierto precisamente por una máscara. A su lado, Luke Skywalker quedaba como un Peter Pan de las galaxias, un niño rubio de ojos claros estilo principito que no despertaba ninguna pasión salvaje. Su ingenuidad y belleza casi andrógina no pudo contra Vader. Y luego vino la Trilogía. Y reaparecieron los jedis. Quisiera saber cuántas mujeres mueren de amor y deseo erótico por Obi Wan Kenobi o Qin Gong? Cómo pueden remontar éstos varones, la presencia fenomenal de Maul? No es que el bien siempre gana y los malos se llevan a las minas, es que el tema del bien y el mal se personifica en personajes que eróticamente hablando, tiran la balanza para el lado del maligno. Acaso somos perversas y deseamos un ser como Maul que al menos demuestra no sentir absolutamente nada salvo lealtad a su cofradía (Los Lores del Sith) y a su inexpugnabilidad? Es esa torre de marfil que nunca alcanzaremos. Si se le hubiera ocurrido a los libretistas poner a un Lord del Sith enamorado, se hubiera caído del pedestal inmediatamente. Cuanto más lejano, inalcanzable, poderoso, fuerte, frío, calculador, y a la vez terriblemente seductor, erotizante y perturbador, mejor para las mujeres. En las reiteradas convenciones de Star Wars donde la estrella invitada es Ray Park, los gritos de las mujeres ensordecen. Ya no les importa que es un actor, un artista marcial que interpretó a Maul. Ven en el actor a ese ser que pudo dar en la tecla de la fantasía de miles de mujeres. De hecho en una convención, hacen un truco interesante: el locutor anuncia con gran pompa a Darth Maul y éste aparece en escena en medio de aplausos cerrados y griterío femenino. Su presencia devastadora, sensual y arrebatadora, se deja sentir en todo el auditorio. Pero por detrás de bambalinas, sigilosamente, aparece Ray Park, vestido con un simple jean y remera, haciendo gestos hacia el disfrazado de Maul como diciendo: "Ese no soy yo". A pesar de que no era él, y se estaba mostrando como el actor que lo interpeló, las mujeres atónitas ante el truco siguieron en la tesitura: aplaudieron y vivaron a Ray sin aliento. Acá aparece el fenómeno del ser enmascarado (porque sostengo que maquillaje es máscara) que ante el desenmascaramiento no pierde poder. Caso contrario pasó con Vader. A nadie le gustó saber que actor había detrás de esa máscara de oxígeno, esa máscara tremenda, ostentosa, amenazante, inexpugnable. Todas querían ver a Vader y no al actor. Vaya fenómeno.

Ya dije en otra entrada que debido al fenómeno de la estética visual y el impacto cinematográfico (apoyado en el andamiaje de la historia de un personaje y el guión) Maul superó por varios cuerpos a Vader. Qué es lo que pasó? Realmente creo que en Maul se conjugaron varias cosas que lo completaron como personaje que a Vader le faltó. Vamos vamos a mí no me vengan con cuentos, mujeres. Piensan que George Lucas y equipo no se dieron cuenta de los detallecitos de la ropa y movimientos de Maul con un fin absolutamente delineado? Vuelvo a la vieja película de 1978... Al menos Han Solo ganaba mujeres por su simpatía y desfachatez, pero Luke Skywalker era una mala remake de principito valiente. Y éstos contra Vader tampoco pudieron. Volviendo ahora a las convenciones donde aparece Ray Park, éste le agrega un plus: es un ser angelado, con mucha llegada al público, es histriónico, comunicativo, simpático, abierto a escuchar a los fans, carismático y encima super talentoso. Aquí se mezclan aguas. Las mujeres nos mareamos ante la diatriba: adoramos a Ray Park o a Maul o a ambos? Creo que por un misterio de la naturaleza y del séptimo arte, los amamos a ambos.

Si tienen opinión contraria me gustaría que me escriban comentarios.

video

jueves, 10 de abril de 2008

Darth Maul y Darth Vader - La conversión






Es Vader peor que Maul? Este problema para los fans de Star Wars no tiene solución. Los dos no tienen el mismo nivel para pesar, Vader aparece en toda la saga, Maul solo en un episodio y muy poco. Pero la fascinación que provocó Maul no es un fenómeno para minimizar, "algo" pasó para que Maul tenga una legión de seguidores. Creo que es el impacto visual y la riqueza con la que dotó al personaje lo que lo hace maravilloso.

Si alguien provoca espanto, escalofríos, o esa fascinación por lo maligno y oscuro, es Vader. Cuando se convierte en Vader, ese despojo humano que fue en un momento Anakin Skywalker, ahora sin un brazo, sin sus dos piernas, con el 80% de su cuerpo quemado, vuelve a la vida gracias a la tecnología, y precisamente su máscara con el aparato de oxígeno que emite ese sonido constante es lo que provoca más espanto. Tal vez la falta de cambios de vestuario y el hecho de estar atado a su traje y máscara protectoras, hizo que Vader tenga menos riqueza visual que Maul. Este por el contrario, fue un personaje pensado para deleitear al espectador con sus movimientos y su apariencia. Hay tres cambios de vestuario, acá solamente mostraré uno que lamentablemente usa muy poco tiempo en la película, nunca me expliqué por que no lo mostraron más con esta belleza

Ambos tienen su propia historia personal dentro de la saga. Vader: La clave está en que es un ser que se transformó en un ser maligno porque tenía razones: la muerte de su madre, la de su amada Padme, la inadaptación a la doctrina de los jedi, lo que hizo estragos en su carácter, y eligió el mal. Es un ser lleno de ira, pero provocada por situaciones afectivas.

Maul tiene una historia triste, pocos la mencionan. Es un ser nacido en un planeta llamado Iridonia, cuyos habitantes pertenecen a la especie Zabrak, que como detalle tienen cuernos en su cabeza. Al momento de su aparición en la saga, se deja claro que esta especie se habría extinguido hacía ya mil años y unos pocos quedaban de ella. Darth Sidious en una de sus troperías, llegó a Iridonia y vio a este niño zabrak, supuestamente (versiones sin confirmar pero versiones al fin) llamado Khameir Sarin, que poseía un inusual potencial de la fuerza, por lo tanto no dudó en raptarlo y lo tuvo en cautiverio, desde los cuatro años. Lo educó en el arte de la lucha de los jedi, y sobre todo en la resistencia ante todo tipo de desgracias, para hacerlo una máquina bélica. Lo mantuvo encerrado durante años, procediendo a tatuarle todo el cuerpo con antiguos símbolos Sith en rojo y negro, que le provocó sufrimiento, pero que se conformó porque había elegido el camino que le impuso su maestro. Una vez que Sidious consideró que su aprendíz estaba listo para ser utilizado, le encomienda misiones menores (que no se ven en la saga) y así este nuevo Lord el Sith, bautizado Maul, deviene en ese feroz ser que es casi infalible.
"Fear. Fear attracts the fearful… the strong… the weak… the innocent… the corrupt. Fear. Fear is my ally."

―Darth Maul

Maul fue un maestro de las disciplinas de lucha Juyo, Jar'Kai y Teräs Käsi y eligió usar un sable de luz de doble hoja. Sidious envió a Maul a varias misiones de asesinato político y subterfugio, pero Maul ansiaba encontrar y matar a los jedi.

Adoctrinado en el Lado oscuro de la Fuerza solo conoció la ira y el odio. Maul mataba seres vivos sin piedad, por orden de su maestro. Durante su entrenamiento, cualquier demostración de miedo era castigada severamente por Sidious, y cualquier petición misericordia recompensada con crueldad. Fue torturado y maltratado física y psicológicamente, al más puro estilo Sith. Para cuando Maul ya era adolescente, su amo lo había forjado como un arma de odio puro, una fanática herramienta de matar. Pese a todo ello, Sidious consiguió, aprovechándose de su niñez traumática, que Maul desarrollara sentimientos paternales hacia su maestro y nunca contemplo matarlo, hasta su prueba final.

Maul fue enviado en incontables misiones sangrientas para su maestro, asesinatos políticos, jefes del crimen, comerciantes y señores de la guerra. Maul concibió su aspecto para infundir miedo en el corazón de sus enemigos e incluso de sus aliados. A pesar de sus victorias, Maul deseaba enfrentarse a un Jedi.

Qué lazo puede unir a Vader con Maul? Que fueron convertidos en lo que vemos, uno por elección y otro por sometimiento. Al fin y al cabo, dos esclavos de Lord Sidious.

El nacimiento de un personaje:
George Lucas definió al personaje de Maul como: "La peor pesadilla para cualquiera".
El personaje fue creado por Ian Mc Caig luego de contar a sus amigos que había tenido una pesadilla y había visto un ser que lo explicó a través de dibujos y bosquejos. Le comunicó esta noticia a George Lucas para inspirarle un nuevo personaje pero al principio no obtuvo respuesta positiva. Mc Caig no se rindió y continuó dibujando a este ser infernal, este ser oscuro que le venía a la mente, pensando su figura, su comportamiento, su vestimenta, todo. En el equipo de los creativos estaba Nick Dudman quien le sugirió que le coloque cuernos en la cabeza y le cambió el traje, en realidad dos, que son los que lleva en la saga. Al final le llamó la atención a Lucas y éste decidió ponerlo dentro de la saga.
Darth Maul fue interpretado por el experto en artes marciales Ray Park y su voz era del actor británico Peter Serafinowicz. El llamativo diseño visual de Maul, además de su limitada participación en la película, ha causado que muchos aficionados quieran saber más sobre él-

Bravo por la creación de este personaje y bravo por Ray Park que lo consumó estupendamente.


Alexandra

lunes, 7 de abril de 2008

Matrix vs. Equilibrium vs. Farenheit 451 - Parte 1

Cuando falta la imaginación, buenas son los clones. Quiero aclarar que no me ha gustado Matrix, y mucho menos Equilibrium. No entiendo aún el éxito de Matrix, lo único que me gustó es el empleo de una nueva estética visual basada en la Steady Cam 360º y otros efectos computarizados. Cuando vi Equilibrium, vi un desviado clon de Matrix y Farenheit 451.

Matrix realmente recargado:
The Matrix (1999) es una película de ciencia ficción escrita y dirigida por Larry y Andy Wachowski y protagonizada por Keanu Reeves, Laurence Fishburne y Carrie-Anne Moss. En esta película se hizo popular el "bullet time" (tiempo bala), técnica que consiste aparentar que se congela la acción mientras la cámara sigue moviéndose alrededor de la escena. El efecto visual se consigue utilizando múltiples cámaras que graban la acción desde distintas posiciones a una cantidad elevada de fotogramas por segundo, posteriormente se intercalan los fotogramas de cada una de las cámaras.

Resumen de argumento:
Thomas A. Anderson (Keanu Reeves) de día es programador informático y por las noches un hacker que utiliza el alias de Neo. Se pasa la vida buscando a una persona, Morfeo (Laurence Fishburne), y la respuesta a una pregunta: ¿Qué es Matrix?.
Morfeo y los suyos, al darse cuenta de que sus enemigos están buscando a Neo, deciden entrar en contacto con él. Otra hacker, Trinity (Carrie-Anne Moss), le conduce hasta Morfeo y la respuesta que busca. Pero para obtenerla debe renunciar a su vida anterior y a todo lo que había conocido antes. Acepta y se traga la pastilla roja (en vez de la pastilla azul, que supondría quedarse donde está).
Neo descubre que el mundo en el que creía vivir no es más que una simulación virtual a la que se encuentra conectado mediante un cable enchufado en su cerebro. Los miles de millones de personas que viven (conectadas) a su alrededor, están siendo cultivadas del mismo modo para poder dar energía a las máquinas. Esta ilusión colectiva (o simulación interactiva) es conocida como Matrix.
El grupo de rebeldes del mundo real que lidera Morfeo rescata a Neo de la cosecha de personas donde se encontraba preso y Morfeo le explica en qué consiste la realidad: se encuentran cerca del año 2199 y la humanidad está esclavizada por las máquinas, que tras el desarrollo de la Inteligencia Artificial se rebelaron contra la humanidad y ahora emplean a la especie humana como fuente de energía. Morfeo también le cuenta a Neo que cree que él (Neo) es el elegido. Este elegido, según la profecía, será el encargado de liberar a la humanidad de la esclavitud a la que está sometida. Además, será capaz de cambiar Matrix a su voluntad y dará la victoria a los humanos. Éstos tienen su base en Sión (ciudad subterránea bastión de la resistencia humana).
El mundo virtual de la Matrix, se convierte en el campo de batalla donde Neo tendrá que combatir contra los agentes de Matrix, que son unos programas en forma humana capaces de poseer a cualquier habitante de Matrix que la resistencia no haya liberado. Éstos intentan impedir que los rebeldes rescaten a las personas que están conectadas, y en particular contra el temible Agente Smith. En este mundo virtual, los seres humanos que son conscientes de la verdadera esencia de lo que les rodea, son capaces de desafiar parcialmente las leyes físicas y realizar hazañas asombrosas.
Cuando van a desconectar a Morfeo (para que las máquinas no obtengan los códigos del ordenador central de Sión) Neo recuerda las palabras del Oráculo y decide ir a rescatarle. Tras intentar disuadirle, Trinity le acompaña. Después de una espectacular lucha contra los soldados y agentes que custodian el edificio donde Morfeo está detenido, consiguen liberarlo.
En la escena final Neo está de vuelta a Matrix, y habla por teléfono (sabiendo que Matrix interviene la llamada) para decirle a las máquinas que ahora las cosas van a cambiar y que va enseñar a la gente "lo que no quieren que vean". Un redentor más.

Equilibrium clonó a Matrix (mal)
Se copió la estética visual de Matrix. En el caso del vestuario: Neo y Preston son muy similares. Las posturas del protagonista, el clérigo John Preston, parecen calcadas de las icónicas poses de Neo. Entre Neo y Preston hay nexos íntimos. En lo visual, vestuario y caracterización, se acercan considerablemente. Se persiguió la ausencia de expresión, el cabello muy corto y con abundante gel, anteojos oscuros, trajes negros con chaquetas largas entalladas a la altura de la cintura, ausencia de colores o claroscuros. Otro punto de coincidencia es la misión del protagonista: este es un ser convertido en "otro". Tanto Neo como Preston fueron personas comunes y en un momento dado fueron transformados, con otra identidad, para cumplir una misión.
En ambos filmes recomiendo prestar atención a los nombres de lugares, personas o cosas. No les parece sugestivo el juego de palabras entre "Equilibrium" y la ciudad totalitaria llamada "Libria"? Qué quisieron decir con ese símbolo de dicha ciudad que recuerda a una svástica? La preeminencia de la letra T proviene de "Tetragrammaton", y no sé si quisieron tomar algo de los pitagóricos, aunque realmente no creo que les haya dado para tanto.

Ahora recuerdo la película "Demolition Man" (1993) con Sylvester Stallone, Sandra Bullock y Wesley Snypes. Acá el tema es que un gran policía y un gran asesino son puestos en criogénesis hasta que los despiertan en la Los Angeles del 2018, una nueva ciudad, una nueva sociedad, basada en el principio del bien y la educación, donde todos visten igual, todos se comportan igual, todos persiguen un fin común: ser felices. Como? Mediante la ilusión de un mundo falsamente feliz. Hay sanciones de todo tipo: no solo de comunicación (no se puede hablar mal o decir malas palabras) de relación (no se pueden establecer amistades, el sexo se tiene virtualmente, no hay matrimonios) de política (no hay elección puesto que es totalitarismo) Tenemos al manipulador de este nuevo orden totalitario, que mantiene a la sociedad anestesiada con su doctrina de un mundo mejor. También están los sediciosos, los marginales que viven en los subsuelos de la ciudad, esperando derrotar al régimen. Demasiado parecido todo, no? Perdonen la disgresión.


Todos los caminos conducen a Farenheit 451
Fahrenheit 451 era una novela distópica publicada en 1953 por Ray Bradbury. El título Fahrenheit 451 hace referencia a la temperatura a la que el papel de los libros se inflama y arde (233º Celsius). La historia fue llevada al cine en 1966 por François Truffaut. Su título inspiró además el del documental de Michael Moore Fahrenheit 9/11.
Farenheit 451 es una obra maestra en su género. Su trama: en un futuro no muy lejano, un cuerpo de bomberos, con el anagrama 451 en el casco, conduciendo vehículos con apariencia de salamandra, no se dedican a extinguir fuegos, si no a provocarlos. Un millón de libros han sido prohibidos, libros que se contradicen entre sí, que sostienen argumentos opuestos, y que por ello impiden que la gente sea feliz. El protagonista, Guy Montag, y la brigada de bomberos, acuden a la emergencia de cada propietario de libros localizado, con las salamandras y las mangueras que lanzan petróleo, para incinerar hasta la última hoja.
FAHRENHEIT 451 esconde una cruda crítica a la sociedad norteamericana después de Hirosima y Nagasaki, cuando a toda costa había que conservar la ilusión de que el mundo era maravilloso y feliz, que las opiniones opuestas eran incinerables y la vida agradable era el único y verdadero objetivo a preservar. Montag, es un miembro de esa farsa en precario equilibrio, un equilibrio que se rompe al conocer al salvaje, el inadaptado, el insocial, el que, descubre paradójicamente, posee una vida mucho más satisfactoria. En ese descenso de Montag/Bernard encuentra que no se halla solo, si no que, clandestinamente, ese distinto orden social subsiste como parias a ojos de la civilización pero como héroes a sus propios ojos.

Equilibrium (2002)
Equilibrium es una película del director Kurt Wimmer. El film se sitúa en un futuro después de la Tercera Guerra Mundial, con la humanidad privada de las emociones por efecto del 'prozium' la droga que dopa a las masas y del arma más poderosa que el hombre mismo puede crear: él mismo.
Para vigilar y detener a los ofensores sensoriales, el gobierno (un sólo patriarca llamado 'padre' y un consejo) ha designado una unidad conocida como la "Clerecía Grammaton" para vigilar y contener la humanidad dentro de cada ser viviente en 'Libria'. Al frente de esta unidad, se encuentra el "clérigo tetragrammaton" John Preston quien comienza a comportarse extrañamente después de evitar sus dosis de prozium: ha comenzado a sentir.
Hay muchos paralelismos con la obra de Aldous Huxley Un mundo feliz: El estricto uso de uniformes para cada oficio y trabajo. El hecho de que la sociedad a primera vista parezca utópica, gracias al sacrificio de docenas de valores humanos. El uso de la letra T como un simbolo sagrado.
A éste respecto, en uno de los pasajes de la cinta el 'Padre' dice que ellos no curaron la enfermedad, erradicaron los síntomas; estos síntomas según ellos, son el odio, la ira, la tristeza, todas las emociones humanas que invariablemente causan una reacción; pero ¿cuáles son los agentes de esta enfermedad? Todo lo que recuerda la humanidad a unos seres que sólo conservan las expresiones sentimentales como un vestigio de historia.
Por esa misma causa los disidentes, seres que son aún capaces de sentir viven en los 'abismos' de esta ciudad distópica, hogar de una sociedad mecanizada; aprecian aún la belleza de las cosas por más sencillas que sean, sienten aún las pasiones y afectos típicos del ser humano y por ello son perseguidos (hay algunas escenas en particular: la quema de la Gioconda, el momento en que Preston liberado de la dosis de Prozium se pone a escuchar a Beethoven, el momento en que Preston llora al ver al paisaje matinal de la ciudad hecho con un grandioso CGI y al adoptar a un cachorro de perro San Bernardo. Aún cuando las cosas no son fáciles para los disidentes, han logrado apoderarse de la mejor arma, el clérigo Preston, el mejor de entre los enemigos, quien sintiendo en secreto se inmiscuye en una maraña de engaños hasta descubrir la verdad.
En cierto punto al principio del filme, un superior del clérigo Preston le pregunta que fue lo que sintió cuando aprehendieron a su esposa (por crimen sensorial) a lo que el responde muy consternado después de pedir que se le explique la pregunta 'No sentí nada'. Ya casi al final del mismo, el hombre que rige sobre Libria le hace saber las razones por las cuales lo dejó libre aún cuando el sabía que John Preston podía sentir: necesitaba un hombre que fuera capaz de sentir pero sin que él mismo lo supiera. Un hombre que fuera al mismo tiempo héroe y verdugo.

Esta coproducción germano americana es uno de los tantos clones surgidos en la era post Matrix. El concepto básico puede resumirse como Fahrenheit 451 encuentra a Matrix. Mientras que en Fahrenheit 451 el régimen totalitario de turno ha suprimido la palabra escrita (lo cual tiene cierto sentido, evitando la transmisión de ideología), aquí el concepto es llevado más allá hasta la supresión de cualquier clase de sentimientos. Sin duda hay un montón de desgastados clishés que se han visto montones de veces en otros filmes, como las sociedades uniformadas, las pantallas gigantes con videos doctrinarios, las siglas T del Tetra Grammaton formando una seudo svástica, y la actitud tipo Gestapo de los Clérigos. Pero hay algunos momentos inspirados, en especial en las escenas de Preston con sus hijos, que parecen estar tan adoctrinados y dispuestos a denunciarlo al régimen si no toma su ración diaria de Prozium, que transmiten cierta sensación de paranoia urbana.

El argumento padece de grandes disparates: ante la supresión de emociones, cómo se dan los encuentros sexuales o las uniones matriominales?. Hay errores imperdonables en el guión: en un estado totalitario donde cada individuo es monitoreado las 24 hs, cómo es posible que no tengan en sus hogares cámaras las 24 hs? Acaso cualquier individuo no puede sentir la pulsión de no tomar el prozium y volver a sentir humanizándose súbitamente?

Wimmer, el director, al menos evitó el uso del "bullet time", popularizado por Matrix, y desarrolla una serie de coreografías excitantes. Pero incurre en conceptos absurdos como el uso de armas blancas japonesas medievales usadas por los clérigos para realizar proezas
Wimmer decide caer en la obviedad del final feliz, incluyendo personajes que cambian súbitamente de actitud - como el hijo de Preston, del cual el argumento no nos explica cómo decidió dejar de tomar Prozium y humanizarse - y eligiendo vías fáciles para llegar a una conclusión expeditiva que deje conforme a la platea. Si el director hubiera tomado el camino contrario - sin incluir numerosos Deux Ex Machina -, Equilibrium podría haberse salvado.

Nadie se salva
Si después de Farenheit 451 vienen los clones, cuál es el valor de estos films?
Continuará
Alexandra

sábado, 15 de marzo de 2008

ACE FREHLEY - Creaciones supremas de maquillaje


Si estoy hablando de Ace en este contexto lo hago por su concepción del personaje que encarnó en Kiss específicamente durante los períodos 1973 a 1983, en la banda original. En 1972 cuando se forjaba el concepto "Kiss", se dejó en claro la libertad para cada uno de los integrantes de crear su propio personaje incluyendo vestuario y maquillaje. Este personaje es mucho más que lo que se ha dicho durante décadas en miles de medios: no fueron simplemente extrafalarios rockeros maquillados. Kiss fue revolucionario en todos los aspectos. Cada integrante de la formación original tenía sobrados méritos como músico y artista.

Desde el comienzo, Ace testeó su concepto de hombre galáctico. El símbolo elegido fue la estrella, bisectada en su rostro como luminaria. En el video al final del escrito se aprecia esta prueba de maquillaje original de 1973, donde había incluido el uso de spray platinado para el cabello, que luego abandonó. E inclusive vemos que usa un arete con forma de estrella. Lo impactante de este primer concepto no solo es lo acabado y efectista, sino la actitud: su mirada hierática, distante, sensual y enigmática.
Luego, ingresando a 1974, formalizó su maquillaje, en las fotos que vemos a continuación.

El personaje que encarnaba en escena, no solo era un ser tangible con vestuario y caracterización, sino que éste poseía una historia, una modalidad de ser. Ace y la gestualidad: señalar hacia adelante o hacia el cielo en cuanto cosmos, cerrar el puño como indicador de poder, mirar con complicidad al auditorio, darle entidad a su guitarra como si fuera un elemento del expacio exterior.

En cada escenificación, había algo de su esencia puesto en dicho personaje y Ace con su personalidad tan peculiar, no podía ser otro más que un ser cósmico, un ser literalmente caído de las estrellas. Y esto lo plasmaba en los movimientos basculantes además de los sonidos bizarros que extraía de su guitarra.
Ace ha contado en varias ocasiones que siempre fue un apasionado de todo lo relacionado con la astronomía, la astrofísica, la NASA y sus actividades, los elementos del cosmos, la tecnología de avanzada en asuntos del espacio. Y le pareció absolutamente normal personificarse como un ser cósmico, venido de otro planeta. Ace diseñó su caracterización a la que fue alterando levemente con los años, el color esencial, y que es de su predilección es el platino combinado con el negro, y un toque de celeste plata. En escena, este personaje se mueve basculante, oscilante, desafiando la gravedad todo el tiempo, sereno, observador del público sin comunicarse mucho con él, de sensualidad sugerente pero aguda, silencioso, tranquilo, a veces demandante. Su simbología incluía la estrella, el rayo, y las radiaciones cósmicas. Se destacaba como todo guitarrista líder de una banda, en los solos, que duraban en esas épocas entre cinco y siete minutos, donde desplegaba su virtuosismo y la teatralidad, esa nota que hace diferente a Kiss de todo lo conocido.

En los solos su música y movimientos nos transportan a lo que pueden ser sonidos estelares. Hasta hace una década atrás Ace estuvo entre los diez mejores guitarristas de rock de toda la historia, puesto que sostuvo desde 1973 ininterrumpidamente. La banda contó con una guitarra líder excepcional. Escénicamente, en esta primera etapa, pero sobre todo entre 1973 y 1975, Ace está confinado espacialmente al costado derecho, hacia el fondo del escenario. Parece distante, por momentos arrinconado contra la pila de parlantes Marshall. Es que los líderes que impulsaron la creación de Kiss, Paul Stanley y Gene Simmons, no querían que resaltase. Sin embargo el público quería lo contrario. Ace con su timidez y su sensualidad sugerente era magnético sin darse cuenta, y para bien de la banda, lo sacan a relucir a partir de 1976 debido a los éxitos que éste cosechaba con su personalidad y magnetismo.

Y esto fue lo que lentamente minó la confianza dentro del grupo, Stanley y Simmons se sintieron amenazados por el glamour de Ace en escena y comenzaban las discusiones y los alejamientos que culminó con el abandono por parte de Ace de la banda a principios de 1984. Fue uno de esos raros casos en la historia del rock en el que a un guitarrista líder se le negaba todo el protagonismo.

Es que precisamente el personaje que encarnaba Ace era el que provocaba la fascinación en el público, los arrebatos de locura durante sus solos, los desbarates que producía entre las mujeres cuando tomaba el centro del escenario. Este ser cósmico daba lugar a fantasías eróticas diferentes de las provocadas por los otros tres. Porque Simmons era la personificación de la sexualidad bruta, agresiva, compulsiva, revulsiva, demoníaca, que cosechaba adeptos entre los hombres. Stanley era la sensualidad ambigüa, carismático, alegre, glamoroso, que cosechaba adeptos entre ambos sexos, y Peter que encarnaba la ternura, la dulzura, el romanticismo. Ace rompía el molde con su sensualidad sugerente, sutil, delicada, soberbia, distante, magnética, carismática, enigmática y con una carga erótica descomunal. No necesitaba usar de su maquillaje y vestuario para magnetizar, de ahí su sobrenombre "Mr. Excitement".

Detrás de ese maquillaje, los ojos entrecerrados que sugerían erotismo y amenaza eran la combinación perfecta y elegida por las mujeres. Nunca o casi nunca tiraba besos, dosificaba su carga sexual dejando a veces inconclusas sus intenciones para con el público. Y ese plus que no ofrecía era lo que le confería éxito.

Ace toca acordes, se mueve, gestualiza, provoca un feedback con el público muy especial. Pero es tranquilo, rarísima vez se descontrola, es la antítesis de lo que se supone un guitarrista líder de rock haría en escenario, es muy concentrado y casi autista. Precisamente por su rostro velado por el maquillaje, la fantasía venía a cubrir la mente del espectador y lo dejaba absorto metido dentro del mensaje que quería transmitir. De las miles y miles de fotos que tenemos de Ace a lo largo de su estadía en Kiss, siempre veremos el mismo patrón: la forma en que mira, los gestos, las posturas, la esencia de este personaje.

Hay más por decir pero solo con su nombre "Ace" en tanto "As" no hay dudas de que representa.


Alexandra


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